DayTimeNews.RU
Одни из самых жутких (страшных) картин за всю историю живописи
Художник, особенно талантливый, переносит зрителей в свой мир — насколько он будет реальным или фантастическим, зависит от личности творца и его мировоззрения. Среди них есть настоящие мастера Апокалипсиса и приверженцы экзистенциализма, видящие изнанку мира лучше, чем окружающую действительность. Сегодня в посте 1Gai.Ru представлены 20 поистине пугающих полотен, которые не каждый решится рассмотреть в деталях.
Многие из них совершенно реалистичны, но и они производят впечатление кошмарного сна, от которого не получается проснуться. Источник всех подобных произведений — наши страхи, а их, как утверждают современные психологи, порождает единственный и главный — страх смерти. Человек как существо, наделённое второй сигнальной системой (или бессмертной душой), так и не смог принять этого явления. Мы познаём и изучаем себя с помощью искусства, поэтому мрачные произведения всегда будут волновать нас, как волнуют депрессивные фильмы и ужастики. 
«Тяжёлая корзина». Цукиока Ёситоси, 1885
Японцы недаром считаются лучшими создателями хорроров, жутких существ, призраков и необычных порождений фантазии из фольклора. Хороший пример — полотно великого мастера гравюр в жанре укиё-э (мир скорби и печали) из серии «Тридцать шесть привидений».
Здесь воплощена мифическая история о бессердечной и жадной старухе, выбравшей себе в подарок корзину побольше и потяжелей, однако вместо драгоценностей получившей воплощение ужаса: жутких тварей из преисподней. Не правда ли, напоминает нам русскую сказку «Морозко», где у отрицательных героев «только косточки в коробочке побрякивали»…
«Триумф смерти». Питер Брейгель, 1561-1563
Одна из самых известных картин Брейгеля, мастера Апокалипсиса, которую можно рассматривать часами благодаря десяткам миниатюрных историй, разворачивающихся перед зрителями. Исторический источник: поход короля Испании Филиппа II, религиозного фанатика, покрывший горами трупов и пеплом костров территорию Нидерландов.
Но содержание полотна гораздо шире: многоликая смерть застаёт героев ежечасно и повсеместно — в массовой битве и индивидуальном поединке, за работой, за трапезой и даже на любовном свидании. От неё невозможно укрыться: «Повсюду страсти роковые, и от судеб защиты нет».
Произведение представляет собой мрачное и детализированное изображение конца света, в котором смерть в виде скелетов уничтожает всё живое: людей всех сословий, города, природу.
Картина отражает страхи эпохи — войны, эпидемии, голод и религиозные конфликты, распространённые в Европе XVI века. Брейгель показывает, что смерть не щадит никого: ни королей, ни крестьян, ни влюблённых, ни монахов. Это мощное напоминание о бренности жизни и неизбежности конца.
«Осьминог». Виктор Гюго, 1866
Мы больше знаем Виктора Гюго как автора поэзии и прозы. Однако талант создал сотни мрачных картин (все написаны простыми чернилами). Многие, по свидетельствам очевидцев, рождены в изменённом состоянии сознания, на спиритических сеансах.
Сюжет «Осьминога» (картина написана тушью) описан в романе «Труженики моря». По сюжету книги, с ним сталкивается рыбак Жильят. Кстати, битву со спрутом-убийцей позже подхватили многие писатели-современники. Осьминог в его исполнении символизирует хаос, опасность и неведомую силу, подстерегающую в глубинах. В романе этот антагонист воплощает борьбу человека с природой.
«Штурмовики наступают под газовой атакой». Отто Дикс (серия «Война»), 1924
Картина самого известного живописца ужасов Первой Мировой, когда человечество впервые столкнулось с техниками и технологиями массовых убийств.
Гравюра в технике акватинты немецкого художника Отто Дикса, изображающая немецких солдат в бою во время Первой мировой войны. Это 12-я в серии из 50-ти гравюр под названием «Война», опубликованная в 1924 году. Копии хранятся в Немецком историческом музее в Берлине, в Музее современного искусства в Нью-Йорке и в Институте искусств Миннеаполиса, а также в других публичных коллекциях.
Дикс писал в своих мемуарах, что направился на войну двадцатилетним студентом, желая обрести своего рода экзистенциальный опыт:
«Я должен был пережить, каково это, когда кто-нибудь рядом со мной внезапно падает, сражённый наповал пулей. Я должен был пережить это лично. Я хотел этого. Я же вовсе не пацифист — или всё же пацифист? Возможно, я был любознательным. Я должен был увидеть всё сам. Я такой реалист, понимаете ли, что должен увидеть всё своими собственными глазами и убедиться в этом. Я должен был погрузиться во все ужасные, бездонные глубины лично».
«Мягкая конструкция с варёной фасолью (Предчувствие гражданской войны)». Сальвадор Дали, 1936
Тревожная и странная, как и все произведения Дали, картина. Причудливая конструкция рук и ног напоминает очертания Испании, где привычный уютный мир вот-вот рухнет, рассыплется, как фасоль по земле, и утонет в крови гражданской войны.
Произведение написано незадолго до начала гражданской войны в Испании.
Это сюрреалистичное и пугающее изображение деформированного человеческого тела, рвущего само себя, символизирует разрушительность внутреннего конфликта. Фигура как будто состоит из мяса и сухожилий, а варёная фасоль — намёк на бытовую нищету и страдания народа.
Картина передаёт ужас, абсурд и жестокость братоубийственной войны, которую Дали предвидел ещё до её начала.
«Призрак утопленника». Торвальд Нисс, 1932
Пугающая сцена близка фольклору всех стран и народов: неупокоенный призрак пытается уволочь новую жертву в море. Картина лаконична: пара тёмных силуэтов, несколько мазков кисти — и вот уже сердце зрителя наполняется неосознанной тоской, чувством вины и безысходностью.
Работа принадлежит к направлению символизма и романтического реализма. Мрачная, туманная атмосфера и холодная палитра создают ощущение скорби, одиночества и вечного сна. Это размышление о смерти, прощании и переходе в иной мир. Произведение вызывает сильный эмоциональный отклик и считается одной из самых поэтичных и печальных картин скандинавской живописи.
«Тревога». Эдвард Мунк, 1894
Картина «Тревога» (Anxiety), написанная Эдвардом Мунком в 1894 году, отражает глубокое чувство экзистенциального страха и отчуждения, характерное для его творчества.
На переднем плане можно увидеть группу людей с бледными, страдальческими лицами, застывших в молчаливом отчаянии. Они стоят на мосту — том же, что и в более известном «Крике». Здесь всё внимание на фон — зловещее красное небо и тёмные воды. Они усиливают атмосферу напряжённости и безысходности.
Картина — не просто изображение тревоги, а визуальное воплощение психологического состояния, близкого к депрессии и внутреннему кризису.
«Крик». Эдвард Мунк, 1893-1910
«Крик» считают эмблемой экспрессионизма, это полотно открывает 20 век, предсказывает его события и общее ощущение жестокости и непримиримых страстей. Вопль ужаса персонажа благодаря особой примитивной технике и тревожной цветовой гамме, кажется, звучит везде и отовсюду, приобретая вселенский размах.
Как писал сам художник в дневнике:
«Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу».
Современники предполагали источниками создания картины клинику душевнобольных, где лечилась сестра художника, скотобойню около города и извержение вулкана Кракатоу, на несколько лет озарившего многие города мира красными сумерками. А психологи и биографы искали источник мировоззрения в характере и природных склонностях автора. Так или иначе, персонаж картины Мунка стал основой создания жуткой маски убийцы из сериала девяностых с таким же названием — «Крик».
«Крик» — самая известная картина Эдварда Мунка, написанная в 1893 году. Она изображает фигуру с искажённым лицом, стоящую на мосту и как будто издающую (или слышащую) пронзительный крик, на фоне кроваво-красного неба.
Она символизирует экзистенциальный ужас, внутреннюю тревогу и страх перед миром. Мунк сам описывал это состояние как момент, когда он «услышал крик, проходящий сквозь природу».
Это одно из самых узнаваемых произведений экспрессионизма и мощный образ психологического кризиса человека в модерную эпоху.
«Призрак Ойва» (Ойва-сан). Кацусика Хокусай, 1831
На картине (гравюра на дереве) из серии «100 историй о привидениях» запечатлено самое известное в Японии привидение онрё. Обиженный и мстительный дух, желающий наказать своего мучителя, создан на основе реальной истории: самурай возненавидел и убил свою супругу, обвинив её во всех своих несчастьях.
Реальные события давних лет увековечены благодаря пьесе театра кабуки «Страшная история о призраке из деревни Ёцуя с дороги Токайдо» (автор Цуруя Намбоку). По сюжету, Ойва была отравлена соперницей, что изуродовало её лицо. После смерти она возвращается в виде мстительного духа, чтобы преследовать своего мужа Иэмона, причастного к её гибели. На гравюре Хокусая лицо Ойвы появляется из старого бумажного фонаря, что подчёркивает её сверхъестественную сущность и связь с духами, обитающими в фонарях.
Образ женщины в белых одеяниях, с мёртвенным гримом и с распущенными волосами, полюбился кинематографу: самый известный на сегодня онрё — девочка-убийца с видеокассеты («Звонок»).
«Сатурн» («Сатурн, пожирающий своего сына»). Франсиско Гойя, 1819-1823
Для особо впечатлительных не публикуем произведение здесь. Уберите от экранов детей и нажмите тут
Герой полотна Гойи — бог греческой мифологии Кронос, встревоженный предсказаниями о своём потомке, который свергнет его с престола. Классический сюжет изменился под влиянием личных обстоятельств испанского художника: тяжёлых болезней, смерти детей, глухоты, страха безумия.
Сатурн на картине — сумасшедший нереалистичный монстр, терзающий окровавленное тело. Гойе принадлежит знаменитая цитата «Воображение, покинутое разумом, порождает немыслимых чудовищ; но в союзе с разумом оно — мать искусств и источник творимых им чудес».
«Собака». Франсиско Гойя, 1823
«Собака» Гойи наполнена экзистенциальным смыслом. Она вдохновила множество художников и считается предвосхищающей абстрактное искусство XX века. Несчастное животное вот-вот поглотит безликая стихия и пустынные пространства; её пронзительный, почти человеческий взгляд обращён вверх, вызывая чувство одиночества, отчаяния и безысходности.
Художник и писатель Антонио Саура назвал произведение Гойи «самой красивой картиной в мире» и так описывал свои впечатления:
«Она напоминает мне мою собственную собаку, которая охраняла моего отца, а затем её отравили, и вскоре отец погиб. Я смотрю на эту картину и вижу в этом бедном животном наше состояние в целом и наш исторический момент в частности. Я — собака, и ты — собака, наши головы подняты над тёмным, поднимающимся приливом».
«Страшный суд». Иероним Босх, 1504
Библейский сюжет служил источником вдохновения для многих авторов, но именно это произведение средневекового живописца имеет наибольшую силу воздействия, в том числе и на наших современников. Художник ясно видел самые уродливые стороны человеческой натуры и доходчиво описал, какие именно поступки ведут человека в Ад — а он настолько ужасен и подробно изображён, что избежать его хочется всеми силами.
Впрочем, даже на левой створке триптиха (Рай) запечатлено грехопадение, изгнание, обращение ангелов в демонов, адский огонь, «муки, стенания и скрежет зубовный». Автор определённо разочарован в человеческой природе и пессимистично настроен насчёт нашей будущей судьбы.
«Апофеоз войны». Василий Верещагин, 1871
Как гласит надпись автора на раме картины, она «Посвящается всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим». Пирамида из человеческих черепов на фоне разрушенного города и обугленных деревьев, среди раскалённой степи — символ смерти, опустошения, мертвящих душу последствий войн. Судьба человечества под этим пронзительно ясным и холодным небом не вызывает оптимизма.
Это не конкретная сцена, а символическое обобщение — предупреждение о том, к чему приводит война: смерть, опустошение, бесчеловечность. Картина произвела сильное впечатление и вызвала споры, но Верещагин твёрдо стоял на своей пацифистской позиции.
«Побеждённые. Панихида». Василий Верещагин, 1879
Глубокое и трагическое антивоенное полотно написано Василием Верещагиным в 1879 году. Художника винили в антипатриотизме, но перед созданием произведения, как известно, он пытался отыскать на поле боя тело своего брата, чтобы проститься и достойно похоронить родного человека. Именно это его и вдохновило на создание картины. На ней изображена панихида по павшим русским солдатам: священник совершает службу у братской могилы, в то время как оставшиеся в живых бойцы стоят в молчаливом строю. Всё вокруг — снег, мрачное небо, пустота — подчёркивает бессмысленность потерь и страданий, вызванных войной.
«Вытащить тело не было никакой возможности — так оно и осталось, к величайшему моему горю, пухнуть и гнить в массе — страшной массе покладенных в этот день трупов солдат наших», — вспоминал художник. Ещё одно произведение, показывающее цену побед и завоеваний.
«Смерть». Янис Михайлович Розенталь (Розенталс), 1897
Картина «Смерть» (Nāve), написанная латвийским художником Янисом Розенталсом в 1897 году, представляет собой глубокое и символическое произведение, объединяющее реализм, элементы модерна и мотивы латышской мифологии.
На полотне изображена крестьянка, сидящая на пне с мёртвым младенцем на руках. Над ними склонилась высокая фигура женщины в белом — олицетворение Смерти, держащей в руке серп. Смерть изображена как тощее, почти скелетообразное существо с босыми ногами, что подчёркивает её связь с природой. В латышской мифологии Смерть часто представляется в виде женщины в белом, известной как Veļu māte — «Мать мёртвых».
Сцена происходит на фоне леса и луга, что символизирует естественный цикл жизни и смерти. Мать выражает гнев и отчаяние, её пальцы судорожно сжаты, но она уже осознаёт неизбежность утраты. Белое облачение ребёнка, как и у Смерти, подчёркивает его переход в иной мир.
Картина наполнена эмоциональной напряжённостью и заставляет задуматься о неотвратимости смерти и бессилии человека перед её лицом. Это произведение считается одним из самых выразительных в творчестве Розенталса и занимает важное место в латвийском искусстве. Многие эксперты и любители считают его самым страшным художественным произведением всех времен.
Два полотна без названия. Здзислав Бексиньский (1929-2005)
Эти две мрачные и пугающие картины принадлежат польскому художнику Здзиславу Бексиньскому (Zdzisław Beksiński, 1929-2005), мастеру мрачного сюрреализма и постапокалиптического символизма.
Польский художник и фотограф названий своим картинам не давал. «Одним словом, живопись меня мало интересует, я не ищу встречи с ней, я встречаюсь с ней случайно и естественно, как дерево и корова», — говорил художник.
Однако душераздирающие, апокалиптические образы сделали его вдохновителем творчества многих наших современников. Считается, что истоки его живописи — в удушливой атмосфере послевоенных лет и «холодной войны», чувствах боли и вины.
Ещё его картины с жуткими мирами и обитателями, для которых эта преисподняя — родина, как предчувствие личного кошмарного будущего: последние годы жизни художника омрачены смертью жены, самоубийством сына, а немного позже и сам он истёк кровью на пороге своего дома, убитый сыном домработника.
Первая картина (слева)
Изображает изуродованную фигуру (существо) с перевязанной головой, ползущую по выжженной пустоши. Фон напоминает апокалиптический город после катастрофы. Картина передаёт ощущение боли, отчаяния, деградации и отчуждённости.
Вторая картина (справа)
На ней изображён человек с факелом, идущий через тесный каньон, в стенах которого зияют гигантские фигуры в капюшонах с черепами вместо лиц. Это может символизировать одиночество перед лицом смерти или судьбы, исправление грехов, суд или встречу с прошлым, которое наблюдает сверху, молча и строго.
«Глаз, как странный воздушный шар, устремляется в бесконечность». Одилон Редон, 1882
Литография Одилона Редона, созданная в 1882 году. Это мистическое и символическое произведение было вдохновлено текстом Эдгара Аллана По.
На изображении — огромный глаз в виде воздушного шара, к которому привязаны фигуры (возможно, человек и смерть), парящие в мрачном, сюрреалистическом небе. Это аллегория духовного взлёта, стремления к познанию или к вечности, но также — неизвестности и ужаса перед этим полётом.
Редон сочетает фантазию, сон и символизм, создавая образ, который можно трактовать как взгляд души, уносящийся за пределы земного.
«Автопортрет». Кен Карри, 1995
Мощная, мрачная и тревожная картина, в которой художник обращается к темам старения, умирания и бренности тела.
«Герои» картин шотландского художника — люди в самом печальном и неприглядном периоде жизни: стареющие, изуродованные, а то и представленные в виде разлагающихся останков. Как говорят критики, такова реакция творца с тонкой душевной организацией на политические и гуманитарные катаклизмы 1990-х годов в Восточной Европе, а также на человеческую природу, которая, как правило, ущербна и смертна.
На полотне изображён сам художник, но не в привычной реалистичной манере: его лицо и тело выглядят искажёнными, болезненными, будто покрыты восковой или мертвенной плотью. Взгляд направлен в сторону зрителя, но в нём — усталость, страх и философское принятие неизбежного конца.
В этом автопортрете художник добавил в масляные краски пчелиный воск, что придало натуральный вид человеческой кожи. Именно это и рождает у зрителей первобытный ужас, сродни воздействию фильма про Доктора Лектора: только не в тюремном застенке, а в процессе исполнения угрозы «Я съем твою печень и запью её кьянти»…
«Безумная Грета». Питер Брейгель Старший, 1563
Аллегорическая и сатирическая картина Питера Брейгеля Старшего, изображающая грубую, обезумевшую женщину, ведущую отряд таких же женщин на штурм самого ада.
Это работа — победитель всевозможных рейтингов самых страшных произведений искусства. Статья об этом полотне на сайте Музея Майер ван дер Берга, где она хранится, называется «Фильм ужасов в виде картины» (Фильм ужасов в нарисованном виде).
Грета, в доспехах и с мечом, грабит адские земли, не ведая страха. Вокруг — хаос, демоны, огонь, разрушения, характерные для стиля Брейгеля. Картина высмеивает жадность, безумие и агрессию, особенно в поведении женщин, ставших жертвами алчности и суеты.
Это яркий пример средневекового морализма, гротеска и фламандского фантастического воображения, перекликающийся с Босхом.
На ней персонаж голландского фольклора, воплощение жадности и воинственности, бредёт в преисподнюю по земле чудовищ, олицетворяющих пороки: хорошая иллюстрация плохо прожитой жизни. Худшие человеческие качества, а также реальность того времени — войны и казни — и есть настоящий ад на земле. Именно эту мысль доводит до зрителя Брейгель в многочисленных подробностях своего полотна.
Обложка:
Источник статьи: Some of the strangest and most frightening paintings ever made
СМОТРИТЕ ТАКЖЕ: